miércoles, 17 de noviembre de 2021

Agradecer el regreso (ACQ3) "Con todo respeto"

 

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Por Mari Murakami González



Cuando Estefan Esquivel me comentó la posibilidad de crear en conjunto como Café a Medias un montaje con Raíz Teatro de A Calzón Quita´o 3, lo primero que pensé fue en la posibilidad de participar de nuevo como productora de un espectáculo de teatro independiente, sin embargo, momentos después me comentó que LaPey y él estaban pensando en mí como "actriz" además de productora, y yo, honestamente, no puedo estar más que agradecida de formar parte de este proyecto.

Si bien es cierto, desde hace años la producción se ha convertido en mi actividad principal como artista y he tenido la dicha de desempeñarme, aprender, crear, creer y crecer junto a diversos grupos de trabajo, espacios e instituciones; estar al otro lado de las tablas en donde el tacho ilumina de frente, es algo que extraño con bastante fuerza, cada tanto.

Es así como ACQ3 ha sido el espacio perfecto para volver a las tablas desde ambos lugares, con un trabajo honesto construido desde las colectividades, con un alto nivel de complicidades, empatía y una voz política colectiva construida desde el trabajo en equipo en todas las áreas del espectáculo.

Al fin y al cabo, hacer teatro independiente en Costa Rica es mucho de eso: la capacidad de hacer de todo un poco, poner cada quien de lo que hay en la casa o lo que se compra individualmente a cuenta gotas. Es atreverse a intentar llenar una sala en el incierto de los ingresos reales a partir de la taquilla.

Con la creación del montaje nos permitimos en el marco del Bicentenario, hablar de lo que muchas veces no se habla, desde nuestras propias incomodidades, críticas, políticas y éticas pero "con todo respeto".

Así mismo, ACQ3 nos abre la posibilidad de unir fuerzas entre dos agrupaciones de teatro (Café a Medias y Raíz Teatro) en momentos en el que el hecho alcanza un alto valor simbólico, ya que nos encontramos en plena reactivación económica paulatina del sector artístico/cultural costarricense.

En cuanto a temas exclusivos de la construcción como actriz del personaje, darle vida a la niña Lesli ha sido en buena parte reencontrarme con aquella que carga la bandera de la esperanza, con esa persona para la cual "todas las personas son buenas hasta que se demuestre lo contrario". Un jugar y crear desde las coincidencias para abrazar las diferencias con un personaje que a veces podría resultar "demasiado".

A las puertas de una campaña electoral peculiar, en un momento en el que la situación económica parece justificar la aplicación de políticas neoliberales que debilitan el estado social de derecho, en medio de una crisis sanitaria/ educativa, entre otras, agradezco el poder hablar en torno a la Costa Rica que creemos conocer, la que reproducimos y la que quisiéramos construir en el marco de la celebración del bicentenario, una fecha "muy importante". Sin embargo cabe preguntarse: ¿Será solo por ser número cerrado?





miércoles, 10 de noviembre de 2021

De ficción a ficción (dramaturgia de ACQ3)

 



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No se puede gobernar con la pura coerción, hacen falta fuerzas ficticias”

Paul Valéry

Estamos en el 2021, y aunque la pandemia no afloja, las vacunas ya parecen pintar una luz al final del túnel. Aún no se sabe si es la luz del sol o de un incendio de proporciones postapocalípticas, lo importante es que vamos para adelante, cronológicamente hablando, y que la patria cumpleaños 200 años. ¿Y qué significa eso? ¿Nos van a dar más feriados? ¿La sele va a dejar de perder? ¿Van a terminar la circunvalación? ¿Las esferas de piedra van a comenzar a levitar demostrando que todo lo que dicen en “alienígenas ancestrales” es cierto?

Pues no, es solo una fecha, pero quizá esta sea una buena excusa para hablar de la patria… y admito que ese fue el pensamiento de medio mundo así que ACQ3 “Con todo respeto” se suma a la lista de estrenos teatrales que le entran al tema. Por suerte el asunto es amplio y digno de discusión; ya que ideas como: “Patria” “Nación” o “Costa Rica” no solo se lo dan de grandes sino de complejos. Así que sin hacerles “spoilers” de la obra, les puedo contar un poco de cómo, desde la dramaturgia, acepte la invitación de LaPey para entrarle al asunto.

Comencemos con dos preguntas en apariencias sencillas ¿A que nos referimos con patria? Y en consecuencia ¿Cuál es la nuestra?

La patria es básicamente donde se nace, que en la mayoría de los casos y fuera de circunstancias atípicas, sería en un país; o como le llama el sociólogo Zygmunt Bauman: un estado-nación… No voy a definir estos conceptos (abajo dejo algunas recomendaciones de lectura) pero si lo fuéramos a resumir diríamos que (estado-nación) son una especie de “ficción colectiva”

La receta va así: se crean fronteras en un territorio, se le da un nombre a este espacio delimitado (Costa Rica) un adjetivo particular a las personas que nacen en este espacio (costarricenses), se crea una figura administrativa y representativa (gobierno) que crea una base legal para regular las interacciones dentro de sus fronteras (Constitución) para al final, lograr un reconocimiento de otros países y organizaciones internacionales. Visto así suena más a un asunto legal que ficticio, pero es el consenso colectivo lo que le da validez a las leyes. Ninguna base de legalidad se sostiene si no logramos alimentar la ficción de que nacer acá nos vincula a esta gran invención que llamamos País.

Ahora, el asunto se pone interesante con la segunda pregunta “¿Cuál es nuestra patria?” ya sé que la respuesta obvia es Costa Rica, duh, pero si acordamos que esta es una ficción ahora toca verla en esos términos, o sea, que nos podemos hacer preguntas como: ¿Cuál es nuestra ficción?, ¿Cómo se transmite?, ¿Quién la cuenta? Y ¿Cómo entra a dialogar con la “realidad”?

De entrada, y porque ya me olía la ansiedad que se venia ante lo complicado de abarcar esas preguntas, nos pusimos una regla, hablar del pasado, el presente y el posible futuro, creando una estructura obvia, pero que ordenara la avalancha de información que estuvimos recopilando y discutiendo durante la etapa previa a la escritura. ¿El resultado? Una larga lista de reflexiones e inquietudes muy interesantes, pero que no tenía ni idea de cómo llevar a escena.

Cuando el dramaturgo argentino Mauricio Kartun señala que la verdadera escritura solo se da a partir de una imagen (unidad primaria de la imaginación) no podría estar más de acuerdo. Ya que un cúmulo de ideas sueltas te pueden dar para un ensayo pero es la imagen la que le habla a todos los sentidos y es la que uno necesita para estar aporreando teclas toda la noche. Por suerte Kartun reconoce que esa imagen no es producto de la genialidad del escritor, dios sabe que si fuera así no escribiría teatro, sino que puede surgir de cualquier lado y en mi caso es la conversación entre mi madre y una prima la que me viene a salvar. Básicamente mi prima se estaba lamentando sobre como por culpa de la Covid-19 se había suspendido la banda de la escuela y los actos cívicos ahora solo eran virtuales, en muchos casos sin participación de los estudiantes.

En su momento no le di mucha importancia, hasta que al rato empecé a masticar la situación y, porque a mí las imágenes se me dan más como chistes que como revelaciones poéticas, imaginé a tres profesores de una escuela decadente tratando de descifrar que hacer para el acto cívico del 15 de septiembre, sabiendo que los estudiantes no pueden participar y a ellos les corresponderá asumir todos los roles del acto cívico. ¿Qué mayor creador y preservador de la ficción nacional que un acto cívico? ¿Qué mejores personajes para afrontar lo conflictivo del presente y lo angustiante del futuro que las personas encargadas de educar a las personas que construirán ese futuro?

Para ser honesto es probable que existan mejores respuestas a estas preguntas, pero nos estábamos quedando sin tiempo y tenía que comenzar a escribir el texto o no me iba a dar tiempo. Aun así, esta imagen nos ha permitido jugar, cuestionarnos y explorar un tema que no deberíamos abarcar solo cada 200 años. Lo demás del proceso de escritura es Estefan sentado frente a la computadora y luchando con su impulso procrastinador que por lo general termina en armar rompecabezas en línea.


Estefan Esquivel Valverde

Dramaturgo y Actor



Lecturas recomendadas:

Modernidad líquida
Amor líquido
En busca de lo político
Extraños tocando a la puerta
Todas de Zygmunt Bauman


miércoles, 3 de noviembre de 2021

Un privilegio: Hablar de eso que no se habla, con todo respeto (ACQ3)

 

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Para la bienal de A Calzón Quita´o: Hablemos de eso que no se habla es un privilegio llegar a su tercer volumen (ACQ3) y más aún compartiendo la experiencia con una compañía teatral amiga: Café a Medias. Desde que estrenamos ACQ2 (2019) ya tenía visualizado que ACQ3 sería sobre Costa Rica pero obviamente “hablando de eso que no se habla” sobre nuestra querida patria la cual celebra su bicentenario de independencia este 2021.

La experiencia de ACQ3 ha sido maravillosa, llena de detalles y anécdotas, pero para este volumen pasaron dos cosas que me llenaron de esperanza, alegría y orgullo. La primera, que en medio de A) una pandemia, B) dos proyectos más de Raíz Teatro en producción (Gana la más Chancha y Raíz Laboratorio) y otros más; y C) muchas celebraciones del bicentenario a nivel nacional; igual tuviéramos la dicha de poner en escena nuestro espectáculo. La segunda, tomar la decisión de compartir este ACQ3 con la hermana compañía teatral: Café a Medias.

Contacté a Estefan Esquivel (una raicita querida) y le propuse que entre los dos montáramos el ACQ3. Luego de un par de ensayos, discutimos la posibilidad de necesitar un personaje/intérprete más y él me propuso a Mari Murakami (miembro de Café a Medias).

Así que empezamos a trabajar los tres. La primera etapa, investigando sobre Costa Rica (su pasado, su presente e imaginando su futuro); analizando sobretodo acontecimientos de los que “casi no se habla en la Historia o en las clases de estudios sociales del cole sobre Costa Rica”. Luego de la investigación, Estefan se dedicó a escribir el texto. En medio de las lecturas que hacíamos del texto, conversaciones nuestras sobre nuestros diputados y de nuestra Costa Rica en general; apareció la frase “Con Todo Respeto” - tan banderita roja cuando se dice en una conversación/opinión -.

Etapa 2: empezamos ensayos de manera virtual. Luego empezamos a ensayar presencialmente en nuestra sede de ensayos. Siguiente etapa: dedicar unos minutos a nuestro cuerpo y la diversión (caldeamiento). Etapa 4: empezamos a crear a partir de improvisación y a guiarnos entre todos en la interpretación. Aquí fue donde me dije: este ACQ3 además, es una creación colectiva donde soy la directora general (y fui feliz). Les propuse a Café a Medias que ACQ3 fuera una coproducción entre ellos y nosotras; lo que implicaría que esta producción quedaría en repertorio de ambas compañías y que si la poníamos en escena, se generaría un porcentaje de la ganancia para cada una de las agrupaciones. Aceptaron, y yo feliz.

La producción ha estado a cargo, principalmente, entre Mari Murakami y yo. Entre las dos nos hemos encargado de que todo fluya y sea. Este proceso de producción ha sido también muy bueno, porque se ha podido mantener el ritmo de trabajo de Raíz Teatro tanto en forma como en tiempo (una o dos veces por semana - dos o tres horas por día, durante 9 meses -, pequeño formato y con humor ácido que nos haga reflexionar, creando todo desde lo nuestro, desde nuestra Raíz); es decir que pudimos hacer una buena “yunta” con Café a Medias. Es un privilegio también lograr este trabajo entre dos agrupaciones profesionales de teatro, sobretodo en estos días, cuando una pandemia nos tiró al suelo a todo el sector cultura (a nivel mundial) y debemos empezar a levantarnos para producir… ¡Qué mejor forma de levantarnos y producir teatro, que hacerlo en fraternidad! Café a Medias y Raíz Teatro unen fuerzas, pasión y calidad profesional para crear y dignificar nuestro sector cultural costarricense.

¿Qué van a ver en ACQ3? A tres costarricenses realizando su trabajo profesional desde el teatro. A tres costarricenses interpretando a docentes en medio de una pandemia que intentan celebrar el bicentenario de su patria dentro de una escuela de escasos recursos. A tres costarricenses/docentes con esperanzas, miedos, decepciones, rabias y dolores. A tres costarricenses interpretando también a muchos otros personajes de nuestra historia y nuestro futuro. ¡Déjese sorprender y vaya al teatro!



M. Ed. Katherine LaPey Peytrequín Gómez

Directora general y artística Raíz Teatro







miércoles, 27 de octubre de 2021

Traducción, interpretación y reflexión (Gana la más Chancha)






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Traducción, interpretación y reflexión

María Laura Fernández

(Teóloga, educadora y estudiante)


Traducir un texto es un arte bastante complicado, porque no basta con lograr transmitir una idea semejante con palabras de otro idioma. Toda lengua es en sí misma una forma de comprender el mundo y de insertarse en él para interactuar con otras personas. Entonces, aunque se procure ser fiel al espíritu del texto original, toda traducción es en cierta medida una traición (porque, por más que se logren traducir las palabras, siempre hay concepciones de fondo que trascienden lo que es posible decir con palabras).

En ese sentido, traducir una joya artística de tal calibre como “The Most Massive Woman Wins” (de Madeleine George) fue un reto tan fascinante como complicado. Incluso el título fue todo un desafío… Al final escogimos “Gana la más chancha”, porque consideramos que mantiene lo impactante y lo grotesco del título original. Y estamos seguras de que, con esta puesta en escena, Raíz Teatro seguirá tocando las fibras más profundas de nuestro ser y nos moverá internamente para reflexionar acerca de un tema que es siempre actual, porque tiene que ver con la propia imagen, con estereotipos y con la forma en que muchas veces nos dejamos influenciar por la sociedad.

Por esa razón escogí también el título de estas líneas: Traducción, interpretación y reflexión. Toda traducción implica reflexión para poder interpretar y plasmar un nuevo texto, pero a su vez el resultado es capaz de impulsar la reflexión de quienes se acercan a la obra en su nueva lengua… Y eso es lo que esperamos que todos ustedes experimenten cuando vean estas funciones.

¿Qué si hubo dificultades en el proceso de traducción? Pues claro… Y aquí les cuento algunas de ellas.

La primera quizás no es una dificultad en sí misma, sino una constatación: los seres humanos somos siempre cambiantes y lo que nos habla de modo significativo en una época determinada no necesariamente es siempre igual en otros momentos de nuestra vida. Esto lo digo porque en este proceso experimenté en carne propia esta realidad. La traducción de la Chancha no la hice recientemente; fue hace ya varios años, porque Raíz Teatro tenía como proyecto este montaje en aquel momento y luego por diversas razones se tuvo que posponer. Entonces ahora, cuando escucho el texto, me llama la atención sentir que hay detalles que probablemente ahora hubiera traducido de modo distinto. Pero, al mismo tiempo, me gusta escucharlos de esa otra manera, porque me recuerda que todos somos producto del camino que hemos ido recorriendo a lo largo de nuestra vida.

Otra dificultad de la traducción tiene que ver con el aspecto generacional. Por ejemplo, las golosinas que más disfrutamos durante nuestra infancia los que ahora rondamos los 30’s-40’s no eran las mismas que conocieron las personas que son mayores o más jóvenes. Entonces es un reto lograr que los símbolos y las imágenes del texto nuevo sean significativos para personas de diferentes rangos generacionales.

Lo mismo sucede con la contextualización de las situaciones. En el texto original una de las protagonistas cuenta que su novio estaba viendo un partido de un deporte que es muy popular en Estados Unidos, pero que aquí en Costa Rica no tiene mayor relevancia. Entonces lo cambiamos por fútbol, que es el deporte que más suele emocionarnos a los costarricenses. Y lo mismo hicimos con muchas otras situaciones y expresiones idiomáticas, con el fin de lograr que el espectador se sienta realmente involucrado.

Finalmente, la dificultad más grande (y debo reconocer que este fue el aspecto que más disfruté) fue la traducción de las canciones. El texto original está lleno de cantos que pertenecen a los juegos tradicionales (de manos, rondas, suizas, rayuela, etc) de la infancia de la escritora y que a su vez están íntimamente relacionados con los temas que se abordan. ¿Cómo mantener ese matiz “juguetón” y esa alusión a la propia infancia si lógicamente en nuestro contexto no jugábamos con esas canciones que utilizó la autora en el texto original? Para lograrlo, hubo que recurrir a soluciones muy variadas. En algunos casos, escogimos cantos pertenecientes a juegos que fueran de un tipo semejante al que juegan las protagonistas en el texto original (como Guayabita del Perú, que se van agregando números). En otras ocasiones, optamos por cantos que mantuvieran el estilo grotesco de los cantos originales; que, por cierto, todavía me sigue pareciendo extremadamente chocante que una ronda infantil dijera “Don Federico mató a su mujer, la hizo picadillo y la puso en el sartén” (y así con muchos otros ejemplos). O bien, cuando no encontrábamos cantos en español que transmitieran mensajes parecidos, inventamos las letras de algunas canciones (retomando parte del texto elegido por la autora) y les pusimos la melodía de juegos de nuestra infancia.

Desde ya los invitamos a ser parte de esta experiencia que Raíz Teatro nos ofrecerá en los próximos meses. Les aseguramos que no se arrepentirán porque, como siempre, saldrán del teatro con nuevas perspectivas y nuevas reflexiones para su crecimiento integral.

miércoles, 20 de octubre de 2021

El proceso con el diseño de vestuario “Gana la más Chancha”

 


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Normalmente cuando realizo un diseño de vestuario me gusta estudiar el texto, ir a todos los ensayos posibles, tomar apuntes sobre lo que busca comunicar la directora, lo que perciben las actrices y lo que yo misma observo en las acciones que proponen con sus cuerpos, para las que no siempre se encuentran palabras que las defina pero que están ahí muy presentes. Sin embargo, en esta ocasión en la que vuelvo a trabajar con Raíz Teatro no fue así, me encontraba lejos y sin posibilidades de estar viajando, no conocía a varias de las actrices y no podía ver sus propuestas en vivo.

Entonces comencé leyendo el texto, anotando ideas y comunicándome con Cristina Barboza, la directora, para intercambiar nuestras perspectivas respecto a las escenas y sus personajes: Paula, Jime, Carla y Silvia; que me contara todo sobre los ensayos y las impresiones de las actrices. Una cuestión que fue muy clara desde el inicio en el diseño fue que habría una pieza externa que las unificaría y otras internas que hablarían de las particularidades de cada una.

El asunto fue la variedad que desencadenaron esas famosas “piezas internas” porque cada vez que leía el texto descubría un universo diferente en ellas, en muchas ocasiones opuesto totalmente al de la lectura anterior. Ya para ese punto, como dice Gadamer, la obra interactuaba conmigo como si se tratara de un organismo vivo. Yo creía ser empática y entender lo que se sentía estar en los zapatos de Paula, por dar un ejemplo, y luego me disculpaba con ella por juzgarla y por mis prejuicios. En definitiva, ya desde el texto la obra responde por sí misma, estos personajes me fueron mostrando cada una de sus facetas.

Después entré en una etapa en la que pude haber diseñado un closet completo para ellas, pero tenía la dificultad de tener que escoger máximo dos piezas que integraran todo lo que estaba pasando por nuestros cuerpos referente al vestuario. Porque al menos para mí el trabajo con el diseño de vestuario es tan psicofísico como el de un actor o una actriz, necesito descomponer el punto de partida ─ que en este caso fue el texto y los audios de WhatsApp ─ hasta que logre tener sensaciones e imágenes claras. Que además considero que no siempre acertamos, también requerimos de los ensayos ─ o que la directora nos facilite vídeos y fotos como en este caso lo hizo Cristina─ para confirmar el uso de las prendas o descartarlas. Y por supuesto, a partir de esa decisión lanzar preguntas que nos ayuden a definir que podría estar en su lugar.

Al final visualmente estos personajes no eran una sola cosa y había una voz muy fuerte que nos decía que no importaba lo que fueran, porque al preguntarse qué significaba ser ellas mismas había muchas interrupciones entre lo que parecía que querían que los demás vieran o pensaran de su apariencia, lo que otras personas escojen por ellas, estando de acuerdo o no, lo que las hace sentir cómodas y lo que no sabían cómo llegaba a ocurrir. El vestuario para esta puesta en escena no puede hacer más que ocupar el espacio de las contradicciones, ser un complemento para verlas a ellas riéndose de sí mismas, tomando la palabra y compartiendo con el público.

Es por esto que yo misma estoy muy motivada por ver el estreno de esta obra y como todos los elementos se conjugan o en qué podemos seguir profundizando.



Hanna Gómez Quesada

Egresada de la Escuela de Artes Dramáticas, mamá y estudiante de Historia del Arte.





Referencias:

Gadamer, H.-G. (1996). Estética y Hermenéutica (1964) [trad. de José Francisco Zúñiga García]. Daimon Revista Internacional de Filosofia, (12), 5–12. Recuperado a partir de https://revistas.um.es/daimon/article/view/8311


miércoles, 13 de octubre de 2021

La Chancha en la Chancha

 



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Es común aquí en Costa Rica (y creo que fuera también) decirle a alguien "Chancha, Chancho, Cerdo, Cerda" como insulto. ¿Cuántos han pasado por ahí? Por decir o por recibir el insulto. Y es que es un insulto que asociamos o a gordura o a asqueroso (que en muchos casos gordura y asquerosa, siempre van juntas). Mis oídos han escuchado "chancha/cerda" desde niña.

Lo más curioso de todo, es que la chancha(o) (cerda(o)) tiene como principales características: ser una de las especies más antiguas dentro de la granja, ser muy sociables, disfrutar la comida, ser bastante elocuentes, ser (¡sí!) muy limpios; y para rematar: ser rápidos, tener una gran inteligencia y adorar divertirse.

¡Qué manía del ser humano, usar el nombre de algún animal para insultar! Cuando los animales nos llevan la ventaja en muchos aspectos de la evolución. Yo, la verdad, ahora que soy más consciente de estos animales y de mi ser; me siento feliz cuando me comparan con animales tan fantásticos.

Y así de feliz me siento porque, nuevamente, estaré interpretando a Carla. Ahora desde el ojo de Cristina Barboza quien es la directora. Agradezco tanto que Cris sea parte de Raíz y se apunte también a dirigir, porque admiro su inteligencia, creatividad y dirección.

Hace algunos años, cuando actué este mismo papel en el Teatro Universitario; me enamoré del texto de la estadounidense Madelaine George (autora de "Most Massive Woman Wins"). Compramos el texto en Raíz Teatro y le propuse a María Laura Fernández que ella hiciera una traducción al español (Gana la más Chancha), así como nos gusta en Raíz. María se apuntó y creó una traducción que nos gustó; la guardamos un rato hasta que pudiera algún día ver las luces del escenario.

Aquí hago un paréntesis, para rescatar lo valioso que es para mi, como Directora General y Artística de Raíz Teatro, estar en contacto con las personas dramaturgas. Si bien es cierto, que nuestro fin es crear a partir de lo nuestro (nacional); nos damos el gustico de montar algo extranjero de vez en cuando (y casualmente es Cristina quien ha dirigido estos montajes). El contacto con Madelaine George no ha sido la excepción ¡Qué gran mujer! María Laura ha sido la encargada de estar en contacto directo con ella, y Madelaine se mostró feliz y orgullosa de que la hayamos tomado en cuenta y contactado desde el inicio. De hecho, nos felicitó por nuestro valor y constancia al seguir creyendo, creando y creciendo en medio de la pandemia.

Y en medio de esta pandemia, y gracias al espacio que abrió AGITEP, para hacer lecturas interpretadas de manera virtual; decidí dirigir la lectura interpretada de Gana la más Chancha. Cristina vivió esta experiencia y cuando terminamos la lectura, me contactó y me dijo: ¡Quiero dirigirla y dirigirlas con ustedes! Yo, me sentí llena de emoción y alegría porque había llegado el momento que #Chancha viera las luces del escenario.

Así que de nuevo esta chancha está en la chancha. Lo mejor es que para este montaje soy una mujer con más conciencia de mi ser, con mas respeto hacia mi cuerpo y mi vida; con más agradecimiento porque mi cuerpo es mi herramienta de trabajo, placer, emoción y sensación. Interpretar a Carla siempre será un reto, no importa el año que la interprete, mientras sigamos viviendo en una sociedad que le molesta los cuerpos de las personas, ya sea porque son muy gordos o por que son muy delgados. En Gana la más Chancha, queremos dejar claro esto: del cuerpo de las demás personas no se habla; y si vas a hablar de algún cuerpo, que sea del tuyo y para decirle solo cosas bonitas.


M. Ed. Katherine LaPey Peytrequín Gómez

Directora General y Artística Raíz Teatro




miércoles, 6 de octubre de 2021

Jalarle el rabo a la chancha…

 


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Poca cordura debe existir en una para tomar la decisión impulsiva de iniciar un proceso de dirección en pandemia cuando no se sabía si podríamos regresar a las tablas. Aún menos cordura tuvo nuestra directora general Katherine La Pey Peytrequín para, sin pensarlo dos veces, aceptar semejante propuesta.

Dirigir Gana la más chancha de Madeleine George nace de una lectura dramatizada que organizó AGITEP el año pasado para brindar un espacio de comunicación teatral vía redes sociales.

Este texto en algún momento se iba a montar dentro de nuestro equipo de trabajo, específicamente la traducción realizada por María Laura Fernández y yo pensé incluso en que podía existir la posibilidad de actuar alguno de los personajes… Pero lo que jamás imaginé fue que al escucharlo en voces de otras actrices me generaría esa necesidad absoluta por dirigirlo.

Y acá estamos un año después, a pocas semanas de estrenar…

Gana la más chancha ha sido un viaje pesado, complejo, violento, personal, pero ante todo muy necesario. Nunca, nunca como directora me he sentido tan perdida y a la vez tan emocionada.

Si hay algo que ha sido clave durante este proceso ha sido la confianza a las propuestas de las actrices, ellas han guiado este ensamblaje y han dado vida a una historia que es la historia de tantas personas y que considero con ferviente pasión, debe ser contada.

Desde inicio de año hemos ensayado una vez a la semana, buscando diferentes formas para que estos personajes existan en escena. Tuvimos, además, una sesión de fotos con la talentosa Nicole Román que fue vital para la construcción estética del mundo interno de cada una de ellas.

En el diseño y confección de vestuario me acompaña Hanna Gómez, quien junto a su madre Ana Quesada, ya han trabajado en otros procesos estéticos conmigo y en quienes confío plenamente.

En Raíz Teatro trabajamos con tiempo, eso es algo que me ha mantenido como parte de esta familia y de lo cual siempre agradeceré a La Pey. Tener la posibilidad de explorar el vestuario y la escenografía meses antes es un regalo que como directora se agradece.

¿Qué puede esperar el público de Raíz Teatro al ver Gana la más chancha? No lo sé, realmente nunca como directora estoy segura de que es lo que el montaje va a producir en el espectador. Esa es la gran magia de nuestro quehacer.

Lo que si creo es que debe verse y espero que genere discusión. No existen recetas para contar una historia, esta será nuestra forma enraizada de gritar, de reír, de quejarse y de cantar a los cuatro vientos todas aquellas inseguridades que nos han enseñado sobre nuestros cuerpos, principalmente a las mujeres.

Porque al vernos al espejo no somos suficiente o somos demasiado, eso nos lo han instaurado desde niñ@s, desde siempre.

Y bueno… aunque da miedo jalarle el rabo a la chancha… a veces hay que hacerlo.

Cristina Barboza Jiménez

Directora, actriz, educadora especial








miércoles, 29 de septiembre de 2021

Teatro del Sol de la Escuela de Artes Dramáticas.


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Por: Yenifer Sandoval Jiménez – YESAJI Arte y Movimiento


Participé en Teatro del Sol cuando estaba estudiando en la escuela de Artes Dramáticas… y para mi fue un laboratorio sobre lo que iba a realizar una vez que saliera graduada de allí…

Tuve la oportunidad de actuar, de apoyar con la escenografía, de maquillar y hasta de trabajar en luces… pero me enamoré con la producción… ahí me di cuenta de cuánto me emocionaba el trabajo detrás de, durante y después de, y hasta me enteré de la afinidad que tengo con los números para hacer magia en el escenario.

Lo vi como un trabajo, y lo vi como una práctica, me empoderó y me enseñó, hice algunas ¨movidas¨ que no fueron tan inteligentes, y otras que salieron a pura intuición. Así como lo es el teatro, así como lo es la vida. Estos espacios son valiosos para conocer y reconocerse dentro del ecosistema teatral. Acá se me permitió ser y lo mejor, se me concedieron licencias para realizarlo con total libertad y también con guías que apoyan el trabajo y te enseñan en el quehacer, en la acción y en el aquí y el ahora.

Recuerdo con nostalgia mi paso por el Teatro del Sol, con risas, y hasta con un poco de vergüenza en algunos casos, pero sobre todo evoco una época en donde la creatividad estaba en su máxima totalidad en un espacio seguro que me invitó a aprender, a practicar y a explorar un mundo completo y real, donde parecía un simulacro pero quién más estaba segura, era yo misma.

miércoles, 22 de septiembre de 2021

Teatro del Sol, más allá de una práctica profesional.


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El Teatro del Sol es una iniciativa que involucra a estudiantes y egresados de la Escuela de Artes Dramáticas de la Universidad de Costa Rica. En este se producen montajes profesionales, ya sea obras de autores reconocidos, creación colectiva u obras propias del director, explorando lenguajes escénicos y buscando nuevos retos en escena.

La Escuela de Artes Dramáticas no cuenta con un montaje final de graduación como otras academias de teatro en el país. Las razones de esta decisión escapan a mi comprensión. Lo que nos compete es lo que se ha logrado gracias o pese a esto y es por esto que el proyecto del Teatro del Sol, impulsa a los estudiantes a trabajar, dándose a conocer, descubrir el medio e investigar. Sea o no acertado que no exista un montaje de graduación, un aspecto negativo sería la pérdida de acceso al montaje a estudiantes de niveles inferiores, ya que no podrían actuar dentro de este, tal vez la participación y colaboración en el área de producción y la dirección quedarían bajo el mando de algún profesor de la escuela y no de un egresado.

Se podría considerar el Teatro del Sol como una práctica profesional ya que en él participan estudiantes de distintos años. Muchos de estos estudiantes encuentran aquí su primer acercamiento y exploración de las tablas. Gracias a esta iniciativa muchos de ellos logran encontrar el ánimo y la inspiración para colaborar con otras personas del medio, ya sea en música, plástica, escénica y actuación.

Hay que recalcar en la importancia del Teatro del Sol para el impulso que le da a los nuevos directores de teatro para trabajar, a mandarse sin miedo. Los estudiantes, sin importar el nivel, logran encontrar aquí el impulso y la oportunidad de participar en castings y conocer el proceso lo cual es muy enriquecedor y una gran enseñanza. La escuela nos da las herramientas para trabajar, pero en estos proyectos los ponemos a la práctica

Han salido del Teatro del sol grandes montajes de gran calidad, y han creado oportunidades para generar y enseñar el trabajo en equipo, lo cual es invaluable en este medio. Nos da la oportunidad de poner en práctica lo que hemos aprendido dentro de la escuela, explorar y sacar provecho de los talentos que van más allá de lo enseñado.

Este proyecto ha creado esperanza en los jóvenes teatreros. Y la nueva esperanza es que, después de la pandemia que nos ha afectado desde hace año y medio, no se pierda y más bien tome más fuerza. Los estudiantes han trabajado duro en esta virtualidad por estar activos, por hacer teatro en medio de esta crisis y se han estado mandando con festivales virtuales, devolviendo la esperanza de regresar pronto a nuestro amado Teatro Universitario y eso es lo que nos ha dejado este tipo de proyectos: un gran cariño y admiración por parte de los estudiantes de la Escuela de Artes Dramáticas y la esperanza en lo que se está haciendo y creando.


Dayana Garita Ramirez.

Actriz y estudiante de la Escuela de Artes Dramáticas.


miércoles, 15 de septiembre de 2021

Somos de los mismos.

 


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El Teatro del Sol es una espacio que se da dentro de la Escuela de Artes Dramáticas (EAD) de la Universidad de Costa Rica (UCR) para que dirijan, produzcan, actúen, diseñen, etc. Es una gran oportunidad no sólo para explorar diferentes técnicas, ideas, sino también para conocer y trabajar con otros compañeros de la misma Escuela.

En el Teatro del Sol, se establecen vínculos afectivos y laborales (que en muchos casos serán para formar agrupaciones en el futuro). Se establecen equipos de trabajo sólidos y sin duda, genera una gran experiencia para trabajar y tener noción de lo que realmente cuesta e implica trabajar en nuestra amadísima profesión.

Cuando yo entre a la EAD, año 2003, no existía el actual edificio fuera del Campus Rodrigo Facio. Teníamos un espacio realmente limitado (arriba de las oficinas del Semanario Universitario) para los estudiantes, era un milagro: acomodar horarios, reservar espacios para ensayar (el aula 04 era lo mejor que se podía lograr). Cuando los estudiantes llevábamos puesta en escena, milagros ocurrían porque de que se ensayaba, se ensayaba. Y se sacaba la tarea.

Yo estaba acostumbrada a ver teatro en todos los Teatros de San José (al Teatro Universitario (TU) de la UCR, iba siempre que podía a los estrenos, incluso antes de entrar como estudiante): Teatro Nacional, Teatro de La Aduana, Teatro de Bellas Artes, y las múltiples salas en el centro de San José. Siempre creí que cuando estudiara y me graduara todos actuaríamos en todos esas salas del centro de San José. Que tendría la oportunidad de actuar con las figuras veteranas que me encantaban, y con los jóvenes que estaban por terminar la carrera, a quienes no conocía aún, pero ya los admiraba.

Los tiempos eran otros, éramos muchos menos estudiantes en las aulas, y mi paso por la escuela la recuerdo con mucho cariño y autocritica. Conforme pasan los años cada vez que tengo la oportunidad de actuar entiendo muchas de las cosas que me repetían mis profesores, a veces hice el click hasta años después, y eso me encanta.

Para mí estudiar Artes Dramáticas ha sido de las decisiones mas emocionantes de mi vida, y de las que nunca me arrepentiré. Empecé actuando en puestas en Escena de los más “grandes” de la Escuela, era un gran honor y no cabía de la emoción porque muchos de ellos eran aquellos a quienes ya había visto actuar y admiraba, era mucho con demasiado.

Tampoco tenía idea de los concursos internos que se hacían en la EAD, cuando me hablaron por primera vez del Teatro del Sol (por que habría una audición), no tenia idea del alcance que pudiera tener. No recuerdo con exactitud en qué año fue mi primera experiencia, pero sé que la pasé muy tuanis, siempre aprendiendo de los demás, y conociendo cómo se hace teatro desde las perspectiva de los estudiantes. Me faltaba tanto por conocer. Y es que este oficio es así, nunca se termina de aprender, la escuela, la calle, la cultura, los influencias, la dramaturgia, la tecnología, en constante cambio y crecimiento.

Uno de los Montajes en los que participé que me marcaron fue Pluma y la Tempestad, dirigida por Fernando Bolaños, mi trabajo consistía en hacer boletaría, luego tramoya y luego manejar unas proyecciones. Ni sé cómo entré ahí, pero fue una experiencia tan interesante. Y entendí que el quehacer teatral, o el estudiar Artes Dramáticas, no era sólo actuar, también estar en la trasescena. Ese “estar en alerta” dispuesta y disponible, tener muy claro cuáles serían mis tareas, aunque nadie viera mi trabajo, yo estaba ahí al servicio del montaje, de los compañeros. Entendiendo y aprendiendo sobre cómo moverme en la tras escena, y sobre cómo no “pelármela” con las proyecciones, cosa que me pasó una que otra vez…(me ponía muy nerviosa)

Amé el montaje, cada noche que lo veía, cada actor y actriz en escena, no podía estar más enamorada y agradecida. Además que era muy dinámico, tenía muchas escenas y era un elenco muy grande. Y no podía entender aún cómo hacían para manejar a un elenco tan grande.

Otro montaje que disfruté muchísimo fue El Hobbit, dirigido por Luis Diego Ureña, un montaje de fantasía, proyectando paisajes e imágenes diseñados específicamente para el mismo, además: actores, actrices y títeres (muchos títeres), música en vivo y narración en vivo. En este sí tuve la oportunidad de entrar desde el inicio del proceso creativo, éramos un elenco enorme y por primera vez tuve la experiencia de estar en camerinos con otros, muchos compañeros de la Escuela, a quienes ya conocía pero nunca había tenido tanto contacto con ellos y ellas.

Lo que rescato además de ser un montaje espectacular y divertido, es el gran trabajo en equipo que se hizo, no había alguien mas o menos que otro, y creo que por eso entre otras características, fue una gran dirección. Se mantuvo un buen ambiente en los ensayos, en los talleres de confección de los títeres, en los camerinos, en las funciones y sobretodo con el público que siempre, siempre nos mantuvo activos durante la temporada. Tuvimos además un gira fuera del área metropolitana, ¡mi primera gira! Definitivamente fue un montaje para recordar toda la vida.

De ahí, puedo decir con certeza que salieron amistades hermosas, con las que aún tantos años después, tengo contacto y compartimos muchos momentos de la vida. Además, gracias a esta gira realizada, descubrí que con el teatro podemos llegar a cualquier lugar, que siempre es posible adaptarnos, y sobretodo la importancia de expandir nuestro quehacer fuera de San José (y en algunos casos, fuera de nuestro país). Siempre trabajando en equipo.

Gracias a este espacio del Teatro del Sol, entendí que el Teatro, el teatro en el que me gusta participar, no es para personas divas, que se sientan y esperan que todo esté resuelto. Muy al contrario, se fortalece desde el nacimiento de la idea gracias al trabajo en equipo, a la escucha entre nosostres mismes, un espacio para que se proponga, aprender, nos enamoremos, para generar vínculos, y donde la comunicación sea siempre posible.

Obviamente no todo es color de rosa, habrán roces o químicas que no se den, pero en el entendido de que todes estamos trabajando bajo un mismo fin. Donde cuidando y respetando a cada miembro que está en escena, en la tras escena, en la parte técnica, la utilería, el vestuario, la escenografía y todo lo que nos complete ese mundo que queremos mostrar, se pueden lograr grandes cosas, no solo para los que estamos dentro de ese mundo creado sino y muy importantemente para nuestro público.

Si hay algo que me ha marcado a mí en la vida es: El Hacer Teatro. Saber lo que implica, lo que cuesta, lo que llena, lo que deja, el tiempo y dedicación que conlleva, la incomprensión que debemos aguantar en algunos casos. ¿Qué es lo que vale? Seguir haciéndolo, bajo los principios que cada equipo de trabajo decida seguir, y permitiendo el crecimiento y apoyo entre nosotros mismos. Dando espacio y oportunidades, y sobretodo respetando nuestro quehacer, respeto, respeto y más respeto.

Esto lo experimenté siendo aun muy “Chiquilla” en la escuela de teatro y es algo que lo llevo siempre conmigo: estar dispuesta y disponible cada vez que asumo una nueva tarea. Y justo ahora que tenemos tantas limitaciones con la problemática sanitaria y socioeconómica confirmo aún más la importancia de nuestro trabajo, la función social que nos mueve y que nosotros sabemos y la conocemos. Ahora con más recelo, pero siempre con el corazón y con la auto comprensión que nos merecemos, con la misma ilusión que sentimos desde el primer día de clases. Creyendo en esta profesión, creyendo que llegamos a ella por alguna razón, lo más hermoso de esto, es lo que podemos ir descubriendo en el camino, hay gente que no lo entendería ¿y eso qué? Por ahora, rescatar y defender nuestros espacios, no dejarlos cerrar, no desistir.

El Teatro ha resistido, resiste y resistirá. El Teatro del Sol, ha sido una gran escuela dentro de la misma Escuela de Artes Dramáticas, y esa apertura a sus estudiantes es lo que ha logrado que sea un espacio tan respetado por todos, tan prolífero en su trayectoria. Gracias por defenderlo, por gestionarlo, y aunque por ahora descanse, gracias de antemano por tomarlo con más fuerza y más posibilidades para quienes han decidido seguir este camino, no importa qué… al fin de cuentas, “Somos de los mismos” y estamos en esto juntos resistiendo.



¡Larga Vida al Teatro del Sol, larga vida a la Escuela de Artes Dramáticas, Infinita Vida al Teatro en Costa Rica!

Amén (con y sin tilde)



Abrazos y muchas fuerza.

María Antillón M.

Actríz


La pandemia del sector cultura

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